«Hasta que llegó su hora»

Once Upon a Time in the West (1968) / Director: Sergio Leone / Guión: Sergio Leone, Sergio Donati, Dario Argento y Bernardo Bertolucci / Intérpretes: Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards, Charles Bronson, Gabriele Ferzetti, Woody Strode, Frank Wolff.

A continuación, una de mis películas de cabecera. He recuperado un texto de mi anterior blog y lo he pulido un poco:

«El ritmo de la película pretendía crear la sensación de los últimos jadeos que da una persona justo antes de morir. Hasta que llegó su hora era, DE PRINCIPIO A FIN, UNA DANZA DE MUERTE. Todos los personajes del film, con la excepción de Claudia, son conscientes del hecho de que no llegarán al final con vida» – Sergio Leone.

Sergio Leone, tras la trilogía por excelencia de los spaghetti westerns (Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo), deseaba cambiar de género puesto que consideraba haber cumplido ya todas sus expectativas. Sin embargo, los productores y el propio público, conscientes de los buenos resultados de la trilogía y exigiendo mayores dosis de su particular estilo, le exigieron rodar otro gran western, pero dotado de alto presupuesto, como condición indispensable para acometer su proyecto más soñado y ambicioso: la no menos enorme Érase una vez en América (1984), que continuaba la narración del desarrollo de América en un entorno caracterizado por la violencia. Así pues, el director italiano decidió ir lo más lejos posible, exprimir hasta las últimas consecuencias el género para ofrecernos esta grandiosa película que supuso la sublimación y estilización absoluta del western y en cuyo guión contó con la colaboración de nombres tan prestigiosos como los de Bernardo Bertolucci y Dario Argento.

Uno de sus mayores aciertos, a bote pronto, fue contratar al legendario Henry Fonda para interpretar el papel de Frank, el malvado sádico de la función, decisión sorprendente ya que el actor americano siempre había trabajado en papeles de carácter positivo, siendo, por ejemplo, el recto sheriff Wyatt Earp en Pasión de los fuertes. De esta forma, el público se quedaría boquiabierto al ver el famoso y cordial rostro de Fonda, con su limpia mirada azul celeste, en un papel transgresor, el de alguien capaz de disparar despiadadamente a un niño. La imagen del mito intachable había sido destrozada en mil pedazos. Un cruel villano que, según sugerían los flashbacks, se podría equiparar al mismo Diablo.

Además, Leone acertó de nuevo en la diana con la presencia de Charles Bronson como el misterioso y muy probablemente sobrenatural Harmonica, explotando a la perfección la inexpresividad del pétreo rostro del actor, al igual que sacó partido de una bellísima Claudia Cardinale que asumió inesperadamente el papel principal (su nombre era el primero en los créditos) y de un Jason Robards que procedía del teatro y logró hacer suyo el rol del pícaro Cheyenne con un merecido sobresaliente.

De esta manera, el apartado interpretativo lo tuvo cubierto a la perfección y el complejo guión poco a poco fue perfilándose y corrigiéndose para filmar un metraje que no se excediera en demasía. Hay que tener en cuenta que una de las claves de Érase una vez en América y Hasta que llegó su hora es el sosiego, la calma y el tono reflexivo y poético de la narración eminentemente visual y poco dialogada de Leone. El director se tomó su tiempo para desarrollar la trama y los personajes, acrecentando la sensación de exploración de una época: la del cambio y crecimiento de América.

Para reflejar estas intenciones en pantalla, un Leone a pecho descubierto hizo uso de todo su talento visual para desplegar una virtuosa lección de manejo de la cámara y prodigioso dominio del tempo cinematográfico. Rodó impactantes escenas de violencia explícita y esteticista junto a monumentales paisajes (el rodaje transcurrió principalmente en Almería y en Monument Valley), destacó escandalosamente la mirada y expresión facial de sus actores (otorgándoles un tratamiento de seres casi míticos, que comunican mediante acciones, poses, silencios y frases lapidarias) y ofreció inolvidables momentos de tensión estirando las situaciones hasta lo imposible. Resulta impresionante cómo retrata a los personajes mediante primerísimos planos, transmitiendo la dureza de estos hombres (y mujeres) de vuelta de todo, supervivientes de un mundo aún no civilizado y que se rige por la ley del más fuerte.

El Oeste de Leone es decididamente salvaje aunque la película esté muy lejos de ser una frenética acumulación de tiroteos. Los breves y puntuales estallidos de violencia en ese entorno polvoriento, sucio, visceral e inquietante protagonizados por personajes extravagantes y excesivos en muchos sentidos, componen momentos dignos de retener para siempre en la memoria.

Y es que en esta película, no exenta de cínico sentido del humor, todo resulta majestuoso, operístico, poderoso, épico e incluso cabe apreciar un aura mística y fatalista sin desperdicio en relación al drama de Harmonica. Ver sus fascinantes imágenes acompañadas por la imprescindible música de Ennio Morricone, otro de los máximos culpables de su maestría, casi como si de coreografías musicales se tratase, supone toda una experiencia cinematográfica de emoción casi inigualable. La sensación que produce es difícilmente explicable ya desde el sorprendente y brutal inicio en la estación de tren, capaz de dejar clavado en la butaca a cualquier espectador que se precie a base de dilatar el suspense durante minutos que transcurren con la certeza de que algo va a pasar, y continuando con esta historia que narra la muerte de una era basada en la barbarie para dar paso al nacimiento de otra, representada en la modernización que simboliza tanto la construcción de la ciudad y del ferrocarril como la presencia fundamental de la mujer (la emprendedora, moderna y fuerte Jill, encarnada por la Cardinale). Y el final de esa civilización sangrienta conlleva necesariamente la muerte de sus personajes principales (ojo al antológico duelo final), que ya no tienen cabida en la nueva sociedad que se perfila.

El director italiano era un genio perfeccionista que cuidaba hasta el último detalle con el fin de crear exactamente la película que tenía en mente. Revisaba el vestuario, el maquillaje y los decorados, estudiaba las localizaciones, trabajaba hasta la saciedad con los actores, buscaba ofrecer un visión tan deudora de los clásicos como personal, innovadora y alejada de convencionalismos…

El resultado fue esta obra maestrísima que sufrió cortes y recortes, que se exhibió de manera irregular, discontinua, con diferentes metrajes y montajes, que fue despreciada por crítica y público…

En fin, ocurrió lo que era previsible con una obra de arte incomprendida en su momento y considerada de culto, víctima de su propia genialidad ajena a las modas y concesiones comerciales. Afortunadamente, el tiempo la ha situado en su lugar y, a día de hoy, ocupa por méritos propios un lugar de privilegio entre las mejores películas de la historia del western, siendo ya un clásico inmortal alabado sin descanso, descubierto por unos y redescubierto por otros.

El western crepuscular, definitivo y transgresor de un esteta.

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